De 'Piratas del Caribe' a 'Big Fish': 15 películas que cumplen 20 años en 2023

Desde su mismo prólogo, realmente espectacular, 'Oldboy' se erige como uno de esos clásicos contemporáneos destinados a sobrevivir con envidiable destreza al siempre complejo y temible paso del tiempo.

Enmarcada dentro de su Trilogía de la Venganza, esta historia repleta de frustración, violencia, mentiras, impulsos y rabia contenida que explota al mismo filo del abismo, y de la manera más contundente imaginable, nos trae la mejor versión de Park Chan-Wook hasta la fecha, responsable de una dirección sencillamente perfecta. Muchas de sus escenas han quedado para la historia del cine, con todo mérito, pero conviene celebrar 'Oldboy' como una obra maestra compacta, única e inimitable.

Cines repletos para vibrar durante cerca de 200 minutos de cine en su estado más puro, fascinante, febril y conmovedor. 11 Oscar, pleno total, que sirvieron como recompensa final por parte de una industria que quiso mostrar su admiración y gratitud a casi todos los responsables del prodigio. 'El Señor de los anillos: El retorno del rey' es una despedida inconmensurable, perfecta, capaz incluso de alcanzar y superar unas expectativas situadas a la altura del infinito. Resumiendo: obra maestra incontestable. Y una de las películas más importantes de la historia del séptimo arte.

Un actor agarrado a la publicidad más cutre para seguir sobreviviendo. Una mujer que mata el tiempo libre, eterno, tumbada en la cama y mirando la calle desde la ventana. Podrían no haberse encontrado en toda la vida, haber seguido caminando por rutas tan distintas como intrascendentes. Pero las luces de neón de Tokio pesan demasiado y la soledad termina uniendo a los perdidos.

Por eso, todo lo que ocurre en 'Lost in Translation' tiene un sentido que va mucho más allá de la cautivadora belleza visual que consigue Sofia Coppola en cada una de sus escenas. Y los principales culpables son Bill Murray y Scarlett Johansson, precisos a un nivel solamente relacionado con la excelencia.

Historia de venganza, sangre, violencia, tradición, silencios, muerte y redención, 'Kill Bill Vol. 1' y 'Kill Bill Vol. 2' suponen, para muchos, la Gran Obra Maestra de Quentin Tarantino, los trabajos que mejor resumen sus inquietudes artísticas, su ambición y talento como cineasta, su incomparable capacidad para hacer de lo ajeno un eterno nuevo descubrimiento, su espectacular construcción de personajes inolvidables y, por encima de todo, su evidente condición de apasionado del séptimo arte.

En el caso que nos ocupa, y pese a que la segunda entrega cuenta con unos diálogos superiores, nos centramos en recordar y celebrar el primer capítulo de la historia como una de las cintas más sobresaliente de Tarantino hasta la fecha. Y eso son palabras (muy) mayores.

Tras la polémica 'Matrix Reloaded', tan amada como odiada, las hermanas Wachowski procedieron a cerrar su ambiciosa trilogía con un capítulo, 'Matrix Revolutions', que trataba de conectar de la mejor forma posible el espíritu, ritmo y esencias de sus dos entregas anteriores. Una combinación en la que, a la hora de la verdad, terminó prevaleciendo, por goleada, la fascinación visual, la perfección y el riesgo técnico y la incansable búsqueda de la épica. Es decir, las claves que convirtieron a 'Matrix' en un clásico casi instantáneo.

Con menos confusión de la esperada, afortunadamente, 'Matrix Revolutions' resolvía la trama a golpes en cámara lenta, homenajes claros y evidentes al mundo del anime, las artes marciales y el western crepuscular y, sobre todo, confirmando que la forma siempre estuvo muy por encima del fondo.

No importa el momento, ni la hora, ni el lugar. Cuando uno se encuentra ante la oportunidad de volver a ver 'Love Actually', lo hace. Imposible resistirse a una película que funciona a la perfección como declaración de amor capaz de mezclar la ternura, la diversión, la resignación y el encanto con una facilidad pasmosa. Sonrisas tontas y lágrimas fugitivas en cantidades industriales.

Repleta de personajes y escenas maravillosas que se han convertido en parte de la memoria cinéfila de varias generaciones, la cinta escrita y dirigida por un Richard Curtis especialmente inspirado, sigue sobreviviendo con apabullante destreza al paso del tiempo. Nada ha envejecido ni muestra rastro de óxido en una película que sigue brillando con la fuerza del primer día. Resumiendo: La Mejor Comedia Romántica Del Siglo XXI.

Si la entrega de la medalla de oro a La Mejor Aventura del Siglo XXI dependiera de la crítica, tendríamos una ganadora segura: 'Master and Commander: Al otro lado del mundo'. Una joya repleta de clasicismo dirigida por el imprescindible Peter Weir, entregado a la construcción de una película que recogiera el eco de las propuestas más inolvidables del cine de piratas sin dejar de aportar una impresionante profundidad psicológica y dramática a sus personajes.

Russell Crowe y Paul Bettany, impecables en cada una de las escenas, protagonizan una amistad repleta de matices y duelos al sol del océano que cautivan por su combinación de fuerza y delicadeza, infierno y calma, tempestad y paz. 'Master and Commander: Al otro lado del mundo' es una gran película de aventuras, sí, pero también es mucho más. Y uno no se cansa de intentar descubrir cada uno de sus rincones.

El inventor de 'Eduardo Manostijeras', la figura paterna de un Drácula olvidado en 'Ed Wood', la venganza por la pérdida de unos padres en 'Batman' y su secuela... El cine de Tim Burton, como todos los buenos cuentos, está repleto de presencias familiares claves para la historia, esenciales para que todo el armazón narrativo tenga una razón de ser, para que la fascinación visual no termine arrasando con todo, algo que ha ocurrido demasiado en la última etapa de un cineasta único.

Pero pocas películas, no ya de su carrera, sino de la historia del cine, han conseguido transmitir de una manera tan pura, hermosa y brillante la relación entre un padre y un hijo como 'Big Fish'. Una de las grandes obras maestras, de eso hablamos, de la trayectoria de Burton.

Si alguno pensaba que lo de Pixar era un juego solamente de (y para) niños, cambió de opinión tras el estreno de 'Buscando a Nemo', excelsa demostración de talento visual y narrativo. Construida con maestría, diseñada con pulso firme, escrita desde la inspiración total, con un manejo del suspense, el drama, ¡ese prólogo!, y el sentido de la aventura a la altura de los mejores, la película dirigida por Andrew Stanton volvía a presentar a Pixar como una maquinaria perfecta para crear emociones sin aparente esfuerzo, solamente con el uso de una historia que estuviera a la altura. Un lujo para el paladar cinéfilo.

Tras participar en una de las películas más destacadas y excelentes de su trayectoria profesional, 'Minority Report', Tom Cruise viajaba hasta el Japón feudal del siglo XIX con 'El último samurái', una propuesta dirigida por Edward Zwick que conseguía combinar con acierto la acción épica más emocionante con la filosofía y espiritualidad oriental más tradicional. Una mezcla que podría haber caído en un ridículo importante y que, sin embargo, funcionaba como notable entretenimiento. Cine escrito, rodado e interpretado con tanto oficio como inspiración.

'Mystic River', el thriller más redondo de la carrera de Clint Eastwood y uno de los mejores del siglo XXI, es un ejemplo de la maestría que adquirió un director que, paso a paso y película a película, alcanzo el estatus de clásico. Y es que, tras bajar el listón alcanzado con el maravilloso tridente formado por 'Sin perdón', 'Un mundo perfecto' y 'Los puentes de Madison', con películas como 'Space Cowboys' o 'Deuda de sangre', Eastwood estrenaba una obra redonda, una película oscura, asfixiante, sombría, llena de gritos callados y tensión.

Con un reparto espectacular que completaba la jugada maestra con interpretaciones sacadas directamente de las entrañas, especialmente unos brutales Sean Penn y Tim Robbins, ambos ganadores del Oscar a Mejor Actor y Mejor Actor Secundario por su trabajo, 'Mystic River' continúa siendo, a día de hoy, uno de los trabajos más destacados de la filmografía de Clint.

'Días de Fútbol' está dirigida por David Serrano, quien se estrenaba detrás de las cámaras con un debut que arrasó a lo grande en taquilla y consiguió el más difícil todavía: convencer a la crítica de manera casi unánime. La clave para semejante fenómeno, como siempre, es prácticamente imposible de definir y va más allá de la lógica, pero está claro que su fabuloso guion y su reparto inspiradísimo a la hora de ofrecer un festival cómico de primer nivel fueron claves para lograr una contundente victoria.

Tres años después de su interesante debut con 'Perro ladrador poco mordedor', Bong Joon-ho firmó su primera gran obra maestra con 'Crónica de un asesino en serie', un thriller capaz de reconstruir, transformar, detonar y expandir el género desde su mismo núcleo.

Con una atmósfera hipnótica, un ritmo tan pausado como fascinante, personajes memorables, protagonistas y secundarios, interpretaciones de auténtica altura, con Song Kang-ho a la cabeza, y escenas resueltas con auténtica maestría, especialmente aquellas que se sitúan del lado de la tensión más asfixiante, estamos ante una propuesta sobresaliente en la práctica totalidad de sus piezas. Un laberinto lluvioso y deslumbrante que cala hasta los huesos.

Si alguien pensaba que resucitar el género del cine de piratas en este siglo sería una misión sencilla, estaba más que equivocado. Eso sí, estamos seguros de que ninguno de estos intrépidos buscadores de tesoros pensaría que la respuesta estaría escondida en un parque temático marca Disney. La vida y el cine, siempre llenos de sorpresas. Porque, aunque siga pareciendo una locura, conviene recordar que la saga 'Piratas del Caribe', una de las más taquilleras de la historia del cine, es la adaptación a la gran pantalla de una de las atracciones de Disneyworld, pasatiempo para todas las familias que terminó convertida en franquicia a prueba de recaudaciones.

Y todo comenzó con 'Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra', una primera entrega dirigida por ese cineasta siempre infravalorado e interesante llamado Gore Verbinski, que con la inestimable ayuda de un Johnny Depp memorable en la piel del inolvidable Jack Sparrow, consiguió dotar de vida a un género muerto para el gran público. Una aventura repleta de acción, humor y espectáculo con el que millones de espectadores soñaron, décadas después, con ser piratas. Un logro indiscutible.

La idea con 'Cold Mountain' era tan clara como evidente: Oscar, Oscar y más Oscar. Dirigida por Anthony Minghella, responsable de la multipremiada 'El paciente inglés', y protagonizada por un tridente de oro formado por Nicole Kidman, Jude Law y una Renée Zellweger que fue la única en conseguir la estatuilla, más una colección de secundarios de auténtica locura, este melodrama romántico ambientado en la Guerra de Secesión tenía todo a su favor para arrasar en la carrera de premios estadounidense.

Sin embargo, la cinta no terminó de funcionar a la altura de las expectativas y terminó anclada en un terreno mucho más cercano al aprobado solvente que al esperado sobresaliente. Nos queda, al menos, una puesta en escena de clasicismo embriagador e interpretaciones y presencias tan maravillosas como la de la citada Kidman. Algo es algo.