De 'La llegada' a 'Paprika, el detective de los sueños': 10 obras maestras de la ciencia ficción del siglo XXI

El cuento más triste jamás contado por Steven Spielberg en su carrera sigue siendo, lamentablemente, su obra maestra más infravalorada. Desde su estreno, 'A.I. Inteligencia Artificial' fue recibida con una frialdad por parte del público tan sorprendente como inmerecida. A priori, todos los elementos idóneos estaban sobre la mesa. Estábamos ante un proyecto inacabado por parte de, nada más y nada menos, que Stanley Kubrick que Spielberg retomó y llevó a cabo a modo de homenaje. Su protagonista, Haley Joel Osment, era una de las revoluciones más impresionantes que había vivido la industria en mucho tiempo gracias a su inolvidable interpretación en 'El sexto sentido'. Por si fuera poco, la historia se desarrollaba dentro del género de la ciencia ficción, un terreno en el que Kubrick y Spielberg habían demostrado su genialidad con creces. Las expectativas, en definitiva, llegaban al infinito. Y la película las superaba.

De esta forma, Spielberg inauguraba el siglo XXI con una joya esencial de la ciencia ficción que no ha perdido un ápice de fuerza en su sensibilidad calmada, en su capacidad para hipnotizar y emocionar. Dentro de la carrera de su director, 'A.I. Inteligencia Artificial' continúa resplandeciendo como el milagro que es, un prodigio cinematográfico repleto de escenas memorables, perfectas en su fondo y forma. Nunca son demasiados los elogios hacia ella.

Recital de imaginación en estado puro e imparable, 'Paprika, detective de los sueños' es una de las múltiples obras maestras atemporales que nos dejó como legado el muy añorado Satoshi Kon, genio absoluto cuyo filmografía resplandece con el brillo incomparable de la eternidad. En el caso que nos ocupa, nos situamos ante una película que, más allá de sus comentadísimas similitudes con la posterior 'Origen' de Christopher Nolan, va sumando escenas memorables sin apenas descanso, resultando una intensísima experiencia tanto visual como dramática para un espectador que no puede hacer otra cosa que dejarse arrollar por este inolvidable torbellino de cine en estado puro. Un clásico inoxidable.

'WALL-E: Batallón de limpieza' llegaba a nuestras vidas para quedarse, dispuesto a convertirse en el trabajo más arriesgado, adulto y fascinante de Pixar y, especialmente durante su primera hora de metraje, no solamente conseguía esa meta sino que superaba el resto de expectativas depositadas. Mucho se ha hablado desde entonces de la diferencia entre ese tramo inicial y una segunda mitad mucho más convencional pero, con el paso del tiempo, 'WALL-E: Batallón de limpieza' se erige como una obra maestra de principio a fin. Sin excepciones.

Para la posteridad queda el diseño de los dos personajes protagonistas, pura ternura, y su historia de amor, arrebatadora en los detalles, delicada, atemporal y representada a la perfección en un baile espacial que no ha perdido ni una pizca de su capacidad para hipnotizar a todos aquellos espectadores que, desde hace más de una década, abrazaron a 'WALL-E: Batallón de limpieza' como una de las grandes películas de lo que llevamos de siglo.

Puestos a elegir, aunque cualquier camino que tome una crítica es aceptable en este caso, digamos que 'Her' triunfa en todas y cada una de sus vertientes, alcanzando su punto más alto en la descripción de los distintos estados emocionales, las distintas etapas psicológicas y sensitivas, de una historia de amor. La ilusión, el sexo, la decepción, la ternura, las dudas, todo, absolutamente todo, está contado con suma delicadeza, con genio constante, en un guion firmado y dirigido por el mejor Spike Jonze.

Es a lo largo de la relación entre sus dos protagonistas, Theodore (humano) y Samantha (inteligencia artificial) donde la película descansa todo su imponente registro de mensajes transparentes para concluir su reflexión total sobre el papel del individuo en el futuro que está detrás de esa puerta que todos tenemos delante y a la que nos dirigimos sin descanso, pero también del papel del amor. Ayer, aquí, ahora y mañana. La necesidad de encontrar un lugar al que agarrarnos, un nuevo descubrimiento cuando todo se está resquebrajando. La importancia de escuchar una voz. La voz. Obra maestra incontestable.

Guiada por un inmenso Matthew McConaughey, actor con el que debemos seguir enfadados pensando en la cantidad de grandes interpretaciones que nos hemos perdido por su pereza a la hora de escoger guiones, 'Interstellar' supuso un paso hacia delante para Christopher Nolan, aportando corazón a una filmografía que, hasta ese momento, se basaba exclusivamente en el músculo. Visualmente deslumbrante, con un libreto tan complejo y tramposo como conmovedor y apasionante, estamos ante el trabajo de un director que apostaba de nuevo por el más difícil todavía, que no se acomodaba en sus laureles de Gotham, que no se conformaba 'simplemente' con entretener. No son pocos los que prueban a ser Nolan y fracasan en el intento. Ellos (y nosotros) tenemos en esta excelsa 'Interstellar' una de las más contundentes demostraciones. Un inteligente espectáculo de autor que levita muy por encima de la media. Un golpe en la mesa que suena con fuerza. Tanto en la tierra como en el espacio.

La adrenalina por encima del conflicto moral. El despiporre superando las barreras de los lados oscuros del alma. La locura lanzándose con el cuchillo entre los dientes sobre la cordura establecida en un género, el del blockbuster, que necesitaba de manera imperiosa, guiño guiño, una película como 'Mad Max: Furia en la carretera'. La más inesperada opción a mejor película de acción del siglo entraba por la puerta grande abriéndola de una patada. George Miller regresaba a su saga más carismática, pese a que su trilogía inicial de Max protagonizada por Mel Gibson pesa más por su influencia que por su calidad cinematográfica, exceptuando su segunda entrega, de la manera más explosiva posible, apostando el todo por el todo, subiendo los niveles de excitación, marcando a fuego un universo que encuentra aquí su cima más absoluta.

Una película que es un clímax constante, bellísima en lo visual, con una fotografía y banda sonora que cortan la respiración, excelsa en su equilibrio, deslumbrante en su resultado final. Un trabajo cinematográfico que llegó para reinventar el blockbuster de la cabeza a los pies. 'Mad Max: Furia en la carretera', la locura más inolvidable.

La mejor película hasta la fecha de Denis Villeneuve llegó con su primera inmersión dentro del género de la ciencia ficción más pura y clásica. De calmada grandeza, 'La llegada', adaptación del relato de Ted Chiang, sirvió también para que el director certificara de manera definitiva y contundente su categoría de cineasta esencial de la última década. Una fascinante carta de amor al género basada en el poder de la comunicación y la palabra, del destino y de las decisiones que marcan nuestra existencia y la de las personas que nos rodean. Amy Adams, inmensa, pone rostro a una historia en la que el fondo y la forma comparten la excelencia, traspasando la pantalla y desbordando su delicadeza y profundidad en todos y cada uno de los segundos de esta obra maestra.

Aunque solamente fuera por la increíble puesta en escena de un Alfonso Cuarón cuya inspiración recorre cada plano, 'Hijos de los hombres' ya sería una clara candidata a formar parte de esta lista. Pero es que, además, el resto de elementos que acompañan a esta lección constante de dirección funcionan al mismo nivel, es decir, al que se sitúa a la misma altura del infinito. Una propuesta que te agarra desde el primer segundo y no te suelta, zarandeándote sin piedad, metiéndote de lleno en su universo, otorgando a cada personaje su tiempo y espacio justo, dinamitando expectativas y redondeando su historia con uno de los planos finales más hermosos de las últimas décadas. En definitiva, una película sin fisuras que conviene celebrar como la absoluta maravilla que siempre fue.

El reto al que se enfrentaba Denis Villeneuve, otra vez él, se antojaba tan temerario como imposible de saldar con éxito. Los talones de 'Blade Runner' imponen lo suficiente como para definir el planteamiento de realizar una secuela como algo similar a una misión suicida. Sin embargo, el cineasta obraba el milagro y entregaba uno de los espectáculos visuales y narrativos más apabullantes de los últimos tiempos.

Cada plano, sin excepción, demuestra una inteligencia, una elegancia, un saber hacer y una precisión demoledora, convirtiendo cada escena en un vibrante conjunto de sensaciones. La historia, pese a contar con algún que otro altibajo, consigue mantener la atención del espectador sin recurrir al guiño nostálgico más sencillo, planteando nuevas intrigas y ampliando el universo de la película original con decisiones valientes e inspiradas, demostrando el control absoluto que tiene Villeneuve de la historia que está contando. Ovación tan cerrada como justificada para una sobresaliente secuela cuyo culto no hace más que crecer con el paso del tiempo. Larga vida a 'Blade Runner 2049'.

Pocas dudas. La mejor película de la carrera de Michel Gondry está en '¡Olvídate de mí!'. También la peor traducción jamás realizada sobre un título original en la historia de nuestro país, pero ese es otro tema que nos llevaría más tiempo y peor humor. Aquí estamos de celebración, recordando una obra maestra de principio a fin, una de las más hermosas y crudas reflexiones sobre el amor y el paso del tiempo, sobre los impulsos y las decisiones que no aceptan la vuelta atrás, sobre el futuro como ese lugar que, sin estar, puede llegar a hacer tanto daño desde la incertidumbre.

A Jim Carrey, impecable, le acompaña la mejor versión de Kate Winslet, con la que consigue una química tan sorprendente como inolvidable. A partir de su primer encuentro, todos los milagros se comienzan a suceder sin pausa. Inolvidable.