20 películas infravaloradas que redescubrir en Star, la nueva marca de Disney+

Solamente Wes Anderson podía convertir un tren en el escenario perfecto para el reencuentro externo e interno de tres hermanos reunidos tras el fallecimiento de su padre. A través de un viaje por la India a bordo del Darjeeling Limited, la línea ferroviaria que recorre el país de un extremo al otro, unos estupendos Owen Wilson, Adrien Brody y Jason Schwartzman juegan a la perfección el papel de niños grandes e inocentes asustados por el mundo adulto y sus imperfecciones y complejidad. Un terreno en el que Anderson ha demostrado a lo largo de su impecable filmografía sentirse más que cómodo. Un viaje extravagante, surrealista y, en sus mejores momentos, realmente emocionante el que nos regala 'Viaje a Darjeeling'.

'Trance' ofrece todo lo que se puede esperar de ella, es decir, un estupendo thriller desenfadado, trepidante, sorprendente y, afortunadamente, alejado de la característica ambición desmedida de su director, Danny Boyle, por ser el más guay de la clase. Con un reparto liderado por James McAvoy y Rosario Dawson, impecables de inicio a fin, 'Trance' funciona de manera más que solvente como entretenimiento narrado con estilo, precisión y la dosis justa de energía para mantener la atención del espectador en todo momento. No hay nada memorable en ella, de acuerdo, pero sus poco más de noventa minutos pasan en un suspiro.

'Diario de un escándalo', además de ser una de las mejores películas británicas de lo que llevamos de siglo, es un pulso extraordinario y fascinante entre dos leyendas de la interpretación. Generación contra generación, maestría contra maestría. Y el público, claro, salimos ganando. Cate Blanchett y Judi Dench. Judi Dench y Cate Blanchett. Dos recitales de primera categoría que engrandecen aún más una película que conviene seguir celebrando como la joya que siempre fue.

El debut en la dirección de Tom Hanks es una delicia. Sí, está repleta de lugares comunes y estereotipos manidos que rodean todo el universo pop de la década de los sesenta, pero gracias a su irresistible banda sonora, su desparpajo visual, su ritmo endiablado y su reparto, la experiencia es más que gratificante. Centrándose en la clásica historia de una de esas bandas conocidas como "one-hit wonder", es decir, elevada al estrellato gracias a un single de éxito para, posteriormente, desaparecer, 'The Wonders' es un maravilloso homenaje, libre de pretensiones y ambiciones artísticas fuera de lugar, a una década inolvidable, formada por diez años de melodías preciosas y estribillos irrefutables.

Park Chan-Wook llega a Hollywood. Ese era el trato, esa era la idea, ese era el punto de partida. También era el miedo y la duda de si la personalidad del director de 'Oldboy' quedaría difuminada por un presupuesto mayor o un guion de thriller al uso. Pero no. O sí. Porque 'Stoker' no tenía la mejor historia del mundo ni los giros más sorprendentes, pero aprovechaba a lo grande una trama lo suficientemente interesante como para que Chan-wook le sacara todo el potencial. Absolutamente todo.

Pura poesía visual, hipnótico ejercicio de estilo de un director capaz de cualquier cosa al que el cambio de industria no afectó de forma negativa en absoluto, más bien todo lo contrario. ¿Quieres escenas asombrosas? Aquí hay una cada dos minutos. Pestañea y te la pierdes. Y no quieres que eso ocurra, créeme. Una joya tan irresistible como perturbadora.

La película con la que el gran Robert Zemeckis recibió al siglo XXI fue toda una sorpresa, especialmente teniendo en cuenta los últimos compases que había seguido su carrera en la década de los 90. Y es que, a priori, lo último que podíamos esperar del actor era que, a esas alturas, se atreviera a probar suerte en el género del terror más comercial y palomitero. Sin embargo, 'Lo que la verdad esconde', propuesta que también supuso todo un reto para Harrison Ford, terminaba funcionando bastante bien en su condición de pasatiempo de sobresaltos y giros imposibles, confirmando así una cinta en la que la química entre el citado actor y la (siempre) maravillosa Michelle Pfeiffer suponía la guinda perfecta. Un entretenimiento más que digno.

Dos años después de su estreno en el Royal Court Theatre de Londres, Broadway recibió con los brazos abiertos a 'The Rocky Horror Show', musical de Richard d O'Brien que solamente tendría que esperar unos meses para aterrizar también en la gran pantalla. Dirigida por Jim Sharman y con ese inolvidable dúo formado por Tim Curry y Susan Sarandon al frente del reparto, 'The Rocky Horror Picture Show' explotaba con toda su libertad, entusiasmo y provocación ante la mirada de unos espectadores que no tardaron demasiado en convertirla en una obra de culto.

El tiempo, siempre contundente, dictaría la última y más importante sentencia. ¿Era 'The Rocky Horror Picture Show' una película condenada a envejecer de manera triste y decepcionante por su condición de hija de su tiempo? La respuesta es un rotundo no. A día de hoy, todas sus virtudes, infinitas, se siguen desplegando con una fascinación deslumbrante. Una propuesta que es pura tentación. Irresistible.

La novela de Kazuo Ishiguro era un material profundamente complejo y delicado. Su mezcla de ciencia ficción y (melo)drama ofrecía tantas posibilidades como peligros, especialmente en el momento en el que se desvela la auténtica naturaleza de su historia, pero, afortunadamente, el director Mark Romanek, responsable de la siempre reivindicable 'Retratos de una obsesión', supo como manejar todos los elementos hasta conseguir formar una película que pasó injustamente desapercibida para gran parte del público.

Y es una pena, insisto, porque 'Nunca me abandones' es una propuesta con altísimas dosis de cine en su interior, resplandeciendo desde el frío y la lágrima, la melancolía otoñal que baña cada escena, cada plano, cada mirada de su trío protagonista. Keira Knightley, Carey Mulligan y, en menor medida, Andrew Garfield, ponen todo su talento al servicio de unos personajes que se clavan en la memoria, que se retuercen en el corazón y dinamitan nuestras intuiciones. Sus rostros recogen y reflejan la misma esencia de una película que conviene revisar para admirar una y otra vez.

En el momento de su estreno, muchos nos temimos lo peor. Lagrimas gratuitas, dramón facilón y una historia en la que el morbo tendría más peso que la honestidad. Nos quedaba la esperanza de que John Hawkes no accedería a formar parte de algo así. Afortunadamente, no nos equivocamos. 'Las sesiones', triunfa por tratar con delicadeza un tema que en manos de otros responsables habría quedado como algo burdo e, incluso, ofensivo.

Triunfa por transmitir sus buenas intenciones sin trampa ni artificios, emocionando con honestidad. Triunfa por sus dos protagonistas, un inmenso Hawkes, que sigue sin fallar, y la recuperada Helen Hunt, absolutamente maravillosa en su valiente interpretación. Cuando termina, uno se descubre con la sonrisa pegada en la cara, sí, pero también con la lagrima acechando. Y eso solamente lo consiguen las grandes películas. Incluso cuando parecen tan pequeñitas como 'Las sesiones'.

Tras un puñado de interesantes cortometrajes, Jason Reitman se estrenó en el largometraje con uno de esos debuts que parecen firmados por auténticos expertos en la materia. No hay ni una pizca de nerviosismo, duda o irregularidad grave en 'Gracias por fumar', una película que en sus poco más de noventa minutos, consigue presentar, asentar y reforzar los elementos y características más interesantes y brillantes de la trayectoria del guionista y director.

Protagonizada por un Aaron Eckhart que nunca ha estado mejor, esta sátira capaz de combinar la acidez y el sarcasmo más extremo con las dosis justas de melodrama familiar. ¿Su único inconveniente? El personaje interpretado por Katie Holmes y el uso narrativo que le da Reitman es, cuanto menos, discutible. Un error menor dentro de un golpe inicial sobre la mesa que sigue siendo tan contundente como el primer día.

¿Qué se puede hacer después de firmar una de las comedias más taquilleras de todos los tiempos ('Algo pasa con Mary')? Llamar a Jim Carrey para depositar sobre su inmenso talento cómico toda una salvajada de la talla de 'Yo, yo mismo e Irene'. Los Farrelly lo tuvieron claro y repitieron éxito comercial, aunque con una recepción crítica mucho menos cómplice que con su anterior trabajo, gracias a una de esas películas que se mueven constantemente en el límite del exceso, marcando por sí solas las líneas que se pueden cruzar y las que no.

Mientras tanto, Carrey despliega su arsenal y entrega una de las mejores interpretaciones cómicas de su trayectoria, palabras mayores, consiguiendo que brillen incluso los gags menos inspirados, que, en cualquier caso, son muy pocos. En definitiva, una de las películas más memorables de la marca Farrelly.

Y llegó el cine de catástrofes a la vida y obra de Roland Emmerich. Tras recibir la mejor respuesta crítica de su carrera con 'El patriota', aunque tampoco fuera demasiado entusiasta, el director alemán decidió anticipar el cambio climático a lo grande con 'El día de mañana', una superproducción de efectos especiales impactantes y un estupendo reparto que se convertía, desde el primer visionado, en una de las mejores películas de su trayectoria.

Una cinta entretenidísima que conseguía hilar bastante bien sus múltiples tramas, combinando puntuales pasajes de un sorprendente intimismo con una aplastante sucesión de escenas de apocalipsis y destrucción realmente apabullantes. Una película que, lejos de perder con el tiempo, sigue manteniendo intactas sus virtudes como blockbuster de manual. Divertido, emocionante y espectacular.

El último largometraje dirigido por Tony Scott, 'Imparable', volvía a reunirle una vez más con su actor favorito: Denzel Washington. No tenía mal gusto, desde luego. Una colaboración final que partía de un argumento sencillo y excesivamente similar a 'Speed', cambiando un autobús por un tren, para dar forma a un trabajo orientado exclusivamente a zarandear al espectador en un vertiginoso trayecto de nervio y velocidad.

'Imparable', lejos de aportar algo excelso a la dupla Scott/Washington, no iba más allá de un entretenimiento perfectamente apto para disfrutar sin pensar. Una despedida distanciada de los mejores trabajos del director pero que, entendida como testamento cinematográfico, muestra a un tipo que aún sabía hacer su trabajo por encima de la media.

El punto de partida de 'Air Force One (El avión del presidente)' es tan brillante que uno puede empezar a sonreír desde el primer momento. Nos guste más o menos, convertir al mismísimo presidente de los Estados Unidos en todo un héroe de acción capaz de sobrevivir a un ataque terrorista con la simple ayuda de sus propias manos y alguna que otra arma, es una genial estupidez. Y viceversa. En este caso, además, funciona como un auténtico reloj.

Ni un minuto de descanso, acción trepidante, sentido del humor (y del ridículo) a prueba de prejuicios y un protagonista, impecable Harrison Ford, y correspondiente villano, aún más impecable Gary Oldman, pasándoselo pipa en cada minuto. Y el espectador, aún más. Todo en su sitio, que es ninguna parte. 'Air Force One' no es perfecta, en absoluto, en términos puramente cinematográficos, pero en su liga juega en las primeras posiciones con envidiable solvencia. Probad a revisarla, no falla. Ni un bostezo.

La racha positiva de Eddie Murphy iniciada por 'El profesor chiflado' siguió con 'El negociador', cinta de acción pura y dura, con poquitas, muy poquitas dosis de humor, en la que el célebre actor ofrecía una interpretación más destacada de lo que se podría esperar.

Dirigida con buen pulso por un Thomas Carter entregado a la causa, esta historia policíaca consigue mantenerse siempre a flote, a pesar de caer una y mil veces en algunos de los lugares comunes más evidentes y perezosos del género, gracias a un acertado ritmo narrativo, contundentes escenas de tensión, un clímax final a la altura y, sobre todo, el carisma de un Murphy que, al fin, conseguía salirse ligeramente de su disfraz de (maravilloso) bufón para sumar un soplo de aire fresco a su trayectoria. Un notable entretenimiento.

Tras dos películas tan interesantes y especiales como 'Delicatessen' y, en menor medida, 'La ciudad de los niños perdidos', el director francés Jean-Pierre Jeunet fue el elegido para continuar una saga que parecía finiquitada, de manera evidente, tras 'Alien 3'. Una elección que sorprendió a muchos, generando un alto número de dudas sobre lo que podría aportar un cineasta de personalidad tan marcada y de una perspectiva visual tan delirante a un universo tan ilustre. Y la respuesta siempre estuvo frente a nosotros. Sí, 'Alien resurrección' sería una fiesta en toda regla, con acción histérica, movimientos de cámara y planos imposibles y un reparto en el que hasta Sigourney Weaver estaba pasada de vueltas.

Entendiendo las críticas que suscitó tras su estreno, los golpes que recibió por parte de unos fanáticos que sintieron que alguien había entrado en su casa a destrozarlo todo sin compasión, quedamos una pequeña legión de espectadores que con la perspectiva del tiempo nos lo pasamos bomba con una película que, guión de Joss Whedon mediante, nunca se toma en serio a sí misma. Una montaña rusa imparable que no permite un segundo de descanso.

Con la maravillosa historia de la amistad entre un joven aldeano inglés y un caballo, Steven Spielberg retrató a todos los que andaban buscándole sucesores mostrándose en plenas facultades, facturando una película emotiva, pero también dura y épica, sensible y apabullante a partes iguales. Deslumbrante en sus grandes momentos (la contienda bélica, el primer ataque al campamento alemán) y abrumador en sus detalles (atención al uso que se dan a las aspas de un molino o al silencio tras una montaña), Spielberg confirmó una vez más su madurez como cineasta absoluto. Un trabajo dirigido con la pasión de un niño emocionado con el regalo de hacer películas pero con la sabiduría y destreza de un maestro. 'War Horse (Caballo de batalla)' es, sencillamente, puro Spielberg.

Los Coen y los remakes, esa historia de amor. En esta ocasión, los hermanos acuden a 'El quinteto de la muerte', clásico de los años 50 dirigido por Alexander MacKendrick y protagonizado por Alec Guinnes y Peter Sellers, para construir una nueva comedia sustentada en el humor negro. Tom Hanks, rey de la función, se adapta al género Coen con la profesionalidad de siempre, pero es imposible no encontrarle algo perdido en un universo tan alejado del que está acostumbrado a habitar. A pesar de los problemas que tiene para encontrar el tono y el ritmo, 'Ladykillers' consigue levantar el vuelo y convertirse en un trabajo tan acomodado como interesante. No hay demasiado esfuerzo ni ganas de innovar, pero los Coen pasan un buen rato. Y nosotros con ellos.

Teniendo en cuenta el director escogido para introducir a John McClane en el siglo XXI, Len Wiseman, lo normal era echarse a temblar, perder toda esperanza y aceptar la derrota cuanto antes para evitar más dolor del necesario. El cineasta, responsable de las dos primeras entregas de esa franquicia de incomprensible éxito iniciada con 'Underworld', aceptaba el reto de ponerse al frente de 'La Jungla 4.0' contando con el beneplácito de un Bruce Willis que ya entonces andaba algo perdido, como demuestra a la perfección la terrible 'Seduciendo a un extraño', la otra película que estrenó aquel 2007. En definitiva, dos tipos con necesidad de triunfos que, de manera sorprendente, entregaron una película muy por encima de las expectativas.

'La Jungla 4.0', a años luz de la primera y tercera entrega de la saga, se situaba un peldaño por encima de 'La jungla 2: Alerta roja' por pura inconsciencia. Es decir, siendo conscientes de que el listón estaba en un punto prácticamente inalcanzable, solamente quedaban dos salidas, repetir esquemas, fórmulas y teorías de demostrada eficacia o apostar por algo diferente sin perder la esencia. Y este último camino fue el escogido por un Wiseman empeñado en llevar a la acción al límite del sentido común, bordeando siempre el ridículo pero esquivándolo gracias a exceso, exceso y más exceso. Para entendernos, McClane derriba un helicóptero con un coche después de una de las escenas de acción más espectaculares de toda la saga. Ese es el nivel. Y sale bien. La regla de no tener reglas.

El único problema de la, por otro lado, notable 'Melinda y Melinda' es el de partir de una idea tan genial que cuesta mantener en permanente estado de lucimiento durante 100 minutos. Porque lo que plantea aquí Woody Allen es poner sobra la mesa cinematográfica las dos caras de una misma moneda, la comedia y el drama, la carcajada y la lágrima, el divertimento y la tristeza.

Liderada por una excepcional Radha Mitchell, 'Melinda y Melinda' son dos películas en una, paralelas y complementarias, necesarias en las mismas dosis para entender su objetivo y metodología narrativa. Una propuesta repleta de hallazgos que, sin embargo, se pierde ligeramente en un tramo central algo reiterativo. Un mal menor dentro de otra (gran) película desconocida del sello Allen.