Las 30 mejores películas musicales del siglo XXI

La manera en la que millones de espectadores conectaron con 'La ciudad de las estrellas: La La Land', especialmente antes de que se convirtiera en todo un fenómeno que fue mucho más allá de lo puramente cinematográfico, nos hace ver que no estamos ante un simple vehículo de escape para olvidarnos del ruido y la furia que nos rodea, que también, sino ante una película que arrolla sin caer nunca en los fuegos artificiales más gratuitos. Todo es precioso de ver, mérito de un director, Damien Chazelle, en permanente estado de inspiración, pero el fondo tiene tanto poder, o más, que la forma. Sí, nos han contado esta historia mil veces, pero no nos la han contado así; y ese efecto final que nos deja, ese poso inexplicable y agridulce, nos hace querer regresar a ella y volver a sentirla una y mil veces más. Porque el ser humano, por naturaleza, siempre ha necesitado su dosis de melancolía, su desahogo en forma de lágrimas furtivas, su amor a primera vista y su pérdida en la última jugada.

Aplaudimos la nostalgia que desprende esta obra maestra, así como sus múltiples guiños a un tipo de cine que ya no se hace, porque somos los espectadores los que, por encima de premios y reconocimientos, la seguimos guardando en nuestra memoria como ese rincón en el que siempre suena nuestra canción favorita, inmaculada, perfecta en su melancolía, capaz de hacernos reír y llorar. Una obra maestra absoluta. Y uno de los mejores musicales de la historia del cine.

Hombreras, laca, purpurina, bañadores apretados y plataformas imposibles, 'Mamma Mia!' tiene todo lo que se le podía pedir al salto a la gran pantalla de una historia guiada y estructurada sobre algunas de las canciones más memorables firmadas por la banda sueca más famosa de la historia. Incluyendo a una arrebatadora Meryl Streep. Puro pop contagioso, de estribillos imborrables y coreografías para toda la familia, siempre adornadas con juegos de voces deslumbrantes y melodías de una grandeza pocas veces reivindicada, la obra musical de ABBA es juzgada en demasiadas ocasiones desde la frialdad y el prejuicio. Y lo cierto es que hablamos de una discografía repleta de himnos y temas sobresalientes que no han perdido ni un ápice de su frescura, sensibilidad y capacidad de transmitir buenas sensaciones. Algo similar a lo que ocurre con 'Mamma Mia!'.

Broadway lleva celebrando esta historia vibrante, sexy y memorable llamado 'Chicago' desde 1996. Es decir, un dato histórico que lo sitúa en el segundo puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel con más de 8.000 funciones hasta la fecha, una cifra que se complementa con su tremendo éxito en Londres, donde se representó durante 15 años, convirtiéndose así en el musical americano que más tiempo ha aguantado en cartel en la historia del West End.

Un reconocimiento absoluto que se mantuvo intacto tras su paso a la gran pantalla en 2002 gracias a una adaptación dirigida con fantástico sentido del ritmo cinematográfico por un Rob Marshall que conseguía atrapar al espectador de una manera tan convincente que casi le llevaba a poder oler las tablas del teatro y un reparto entregadísimo a la vibrante causa. Por su parte, la Academia también se rindió ante ella, convirtiéndola en la gran triunfadora de los Oscar con 6 estatuillas, incluyendo Mejor Película.

Remake de la estupenda película dirigida y escrita en 1967 por el imprescindible Mel Brooks, 'Los productores' continúa siendo uno de los musicales más infravalorados e ignorados de los últimos años. Y es que, partiendo de una idea tan delirante como genial, la cinta de Susan Stroman es pura elegancia, carcajada y acierto, sumando a su envidiable catálogo de virtudes una cantidad importante de estupendas canciones y un espléndido reparto en el que sobresalen Uma Thurman, cuya presencia es pura hipnosis, y un maravilloso Nathan Lane, auténtica estrella de la función. Un tesoro oculto del género por descubrir.

El coqueteo entre Tim Burton y el género musical es casi una constante en su cine. Desde la delirante coreografía de 'Bitelchus' hasta las numerosas canciones que engrandecían la maravillosa 'La novia cadáver', ya llegaremos a ella más tarde, la mayoría de sus películas han vivido un apasionado romance con melodías que funcionaban como elemento imprescindible a la hora de dar forma a las historias marca de la casa. Por eso, el salto definitivo en forma de adaptación cinematográfica de una obra clásica dentro del catálogo de musicales de Broadway, más que sorprender, se entendió como un paso coherente dentro de su filmografía.

Con la ayuda de su inseparable Johnny Depp en una de sus mejores interpretaciones, Burton mantenía el humor negrísimo pero sustituía la ternura por rabia, el romanticismo por odio, las sonrisas por litros y litros de sangre. Elevada hasta el infinito por la maestra partitura de Stephen Sondheim, 'Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet' se convertía en la mejor película de Burton desde 'Big Fish', una obra maestra en la que nada sobra y nada falta, perfecta en lo visual, marca de la casa, pero excelsa también en su intensidad dramática. Burton y su mundo se fundían con la historia del barbero Benjamin Barker y conseguían, de nuevo, unanimidad en el aplauso.

La obra maestra de Baz Luhrmann. Todavía poseído por el alma y el corazón de Shakespeare, el cineasta australiano propone en 'Moulin Rouge' una relectura de Romeo y Julieta trasladando aquella historia al maravilloso París de bohemia y absenta de 1900, cediendo el protagonismo al amor imposible que surge entre la estrella más deslumbrante del cabaret parisino por excelencia y un joven escritor perdido en la indiferencia y la melancolía.

Dirigida con una pasión contagiosa, desenfrenada y trepidante, con una banda sonora inolvidable y dos intérpretes memorables, Nicole Kidman en la mejor interpretación de su carrera y un sobresaliente Ewan McGregor, 'Moulin Rouge' revitalizó el género musical como solamente las obras maestras saben hacerlo, permitiendo que el espectador sienta que está viendo algo completamente diferente a todo lo demás. Una de las películas más redondas, emocionantes e inolvidables del siglo XXI.

'Encantada: La historia de Giselle' es cursi y ñoña, está repleta de canciones con extra de azúcar y tiene todos los tópicos de la clásica historia de princesa conoce príncipe azul. Pero funciona. Y mucho. Con una Amy Adams a la cabeza que, en lo que es ya un clásico dentro de su carrera, debería haber sido nominada a un Oscar por pura capacidad de enamorar a cualquier espectador con su encanto y ternura, Disney escribió una inesperada y maravillosa reivindicación de la esencia y el espíritu de los cuentos tradicionales.

Mezclando animación y acción real de manera comedida, sin caer en los excesos gratuitos, algo que se contagia a todas las decisiones narrativas de la propuesta, 'Encantada: La historia de Giselle' es uno de esos clásicos Disney que parecen olvidados con el paso del tiempo. Y eso que es una de las más evidentes y logradas demostraciones de personalidad y carisma de un estudio que cuenta este tipo de historias mejor que ningún otro. Probad y volved a verla. Se mantiene igual de brillante.

Digamos que si el cine es considerado en muchas ocasiones como algo similar a un lugar feliz al que volver una y otra vez, bueno, es gracias a películas como 'Hairspray'. Más allá de sus tremendas canciones, no hay tema malo en estos poco más de 100 minutos que pasan en un suspiro, lo que transmite esta cumbre de Adam Shankman es puro entusiasmo, energía arrolladora capaz de convertir el peor de los días en una sucesión de tarareos y sonrisas cómplices. Una propuesta en la que todo funciona al máximo de sus posibilidades, desde su reparto, en el que destaca un John Travolta tan irreconocible como inspirado, hasta sus momentos más emotivos. Mención aparte para un número final que termina de colocar la mejor de las guindas a una película magnífica de inicio a fin.

La adaptación cinematográfica de 'Los miserables', uno de los musicales más importantes de la historia de Broadway, basado a su vez en una de las novelas más importantes de la historia de la literatura, lo tenía todo, absolutamente todo, para ser perfecta. Por supuesto, no lo fue. Pero, maldita sea, sigue siendo imposible no emocionarse con canciones tan inmensas, personajes tan conmovedores e instantes de épica tan brutales.

El director Tom Hooper no puedo, o mejor dicho, no supo controlar un monstruo de estas dimensiones, pero el reparto terminó elevando a sobresaliente una función que ya partía con el notable bajo el brazo gracias a la imponente música de Claude-Michel Schönberg, una de las cimas indiscutibles dentro del género. De acuerdo, Broadway y los primeros planos nunca se han llevado bien, pero uno tiene que perdonar (casi) todo con monumentos de la talla de 'I dreamed a drem', 'One day more' o 'Do You Hear the People Sing?'.

Seis años antes de la excelente 'Rocketman', Dexter Flecher ya demostró su talento en el género con 'Amanece en Edimburgo', pequeño gran musical que se apoyaba con toneladas de encanto y sencillez en las canciones de los siempre reivindicables The Proclaimers para contar una historia de amor, amistad, guerra, secretos, pérdidas y reencuentros. Un cóctel infalible que, no importa el número de veces que se haya visto, siempre deja una sonrisa pegada al rostro. De acuerdo, también roba alguna que otra lágrima, pero es que sigue siendo imposible, por suerte, resistirse a uno de esos desenlaces que se quedan en la memoria.

Pese a no alcanzar el apabullante favor crítica de su predecesora en la carrera de Tim Burton, la maravillosa 'Big Fish', 'Charlie y la fábrica de chocolate' convenció prácticamente a todos, especialmente a un público que la convirtió en una de las películas más taquilleras de su carrera. Y tiene sentido, ya que se trata de una propuesta con el sello de un cineasta libre e inspirado, mimetizado con la historia que está contando, deslumbrante con la factura visual y el acabado formal marca de la casa y juguetón y divertido con su uso de influencias y referentes.

Los personajes, especialmente en el caso de Willy Wonka, eran criaturas perfectamente reconocibles dentro del universo cinematográfico del director, capaz de aportar su dosis característica de melancolía y locura fascinante. Una película deliciosa repleta de contagiosas melodías que terminaban de redondear una propuesta tan única como inspirada.

Pocos, por no decir nadie, podían adivinar el tremendo éxito comercial en el que terminó convertida 'El Gran Showman', biopic musical y (muy) edulcorado sobre Phineas Taylor Barnum, fundador del 'Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus', conocido como el mayor espectáculo en la tierra. Sin embargo, el efecto boca a oreja volvió a demostrar que es infalible cuando activa realmente su maquinaria, convirtiéndolo en uno de los musicales más exitosos de todos los tiempos. Casi nada. Un fenómeno del que tuvo tanta parte de culpa tanto la interpretación protagonista de Hugh Jackman, puro carisma, como una banda sonora repleta de pop épico y contagioso. Fórmula perfecta.

Después del brutal fenómeno que han supuesto películas como 'El Gran Showman' o 'La ciudad de las estrellas: La La Land', tan merecidos como justificados, probar suerte con un musical parece mucho menos suicida que de costumbre. Sin embargo, en 2002, no todo era tan positivo. Digamos que el género no pasaba por un momento tan dulce como para pensar que una comedia romántica de enredos entre varias parejas con una docena de números musicales, es decir, 'El otro lado de la cama', se convertiría en la película del año en nuestro país. ¿Lo mejor de todo? Se lo merecía.

El director Emilio Martínez-Lázaro, que estará de nuevo en esta lista, estaba al frente de una propuesta suicida que solamente tenía dos salidas: muy bien o muy mal. Por fortuna, la balanza se decantó por lo positivo y 'El otro lado de la cama' era una de esas películas en las que todo fluye con envidiable naturalidad, una comedia en la que cada situación acaba en sonrisa cómplice o carcajada y en la que un reparto, sin excepción, brilla a lo grande. Ni una duda, todavía hoy sigue siendo una delicia disfrutar de ella.

A continuación os dejo tres razones por las que debéis ver '8 mujeres' lo antes posible:

- Dirige François Ozon, uno de los cineastas franceses realmente imprescindibles de los últimos años.

- Suenan canciones maravillosas que van de la balada de corazón en el puño al baile feliz y contagioso.

- El más importante de los argumentos a su favor: Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Ludivine Sagnier y Firmine Richard. Sobran las palabras.

En alguna ocasión, muchas menos de las que nos gustaría, aparecen películas que, naciendo prácticamente de la nada, terminan alcanzado el corazón de todos aquellos espectadores que se acercan a ellas. Y uno de los ejemplos contemporáneos más abrumadores en este sentido es la maravillosa 'Hedwig and the Angry Inch', un musical absolutamente arrebatador en fondo y forma que, con el paso del tiempo, no ha hecho más que acumular un más que justificado culto a su favor.

Y es que, desde su impactante primera escena hasta un epílogo que pone los pelos de punta, este genial debut de John Cameron Mitchell, director, guionista y protagonista de la cinta, supone uno de los trabajos más inspiradores, libres, emocionantes y sorprendentes que hemos tenido la oportunidad de disfrutar en una pantalla en los últimos años. Más allá de su espléndida e imprevisible puesta en escena, sus entregadas interpretaciones y su inolvidable banda sonora, el eco que deja 'Hedwig and the Angry Inch' es el de un himno capaz de romper cualquier tipo de cadenas y retumbar como el más fuerte y conmovedor de los gritos.

Puede que 'Across the Universe' no sea un musical a la altura de los Beatles, algo por otra parte imposible de conseguir, pero, maldita sea, estamos ante una película en la que suenan grandísimas versiones de, entre otros clásicos imbatibles, 'Girl', 'Helter Skelter', 'All My Loving', 'With a Little Help from My Friends', 'I've Just Seen a Face', 'Let it Be', 'Come Together', 'If i Fell', 'I am the Walrus', 'Because', 'Something', 'Hey Jude', 'All You Need is Love', 'Don´t Let Me Down', 'Happiness is a Warm Gun', 'Blackbird', 'While My Guitar Gently Weeps', 'A Day In The Life' o 'A Day In The Life'. Con semejante catálogo de himnos inoxidables resulta imposible perder la partida.

Para los amantes del cine de Disney de toda la vida, 'Frozen: El reino de hielo' es una absoluta fiesta, repleta de guiños, detalles y momentos perfectamente reconocibles dentro de un universo único. Aquí está todo lo que uno puede esperar, y desear, en una cinta de estas características, es decir, entretenimiento para toda la familia, personajes secundarios divertidísimos, ternura y canciones. Muchas y grandísimas canciones. Como en los buenos tiempos, Disney apuesta por el musical animado ofreciendo un gran conjunto de números perfectamente estudiados, dinámicos y luminosos a los que ayudan unos temas que se convertían desde la primera escucha en auténticos clásicos de la factoría. Más que un fenómeno, un clásico de inicio a fin.

Cuando hablamos de 'God Help the Girl' lo estamos haciendo, en la práctica totalidad de los sentidos, de un genio llamado Stuart Murdoch. El líder de los imprescindibles Belle and Sebastian se lanzaba de lleno a la gran pantalla con un debut repleto de encanto, melodías imbatibles y una energía contagiosa y efervescente. Hablamos de una comedia musical con ligeros toques dramáticos y un irresistible encanto doméstico que convertía al pop cinco estrellas en un personaje más, emocionando desde la sencillez, la naturalidad y la sensibilidad que caracterizan a las pequeñas grandes joyas del género. Resumiendo, una película que se mueve y respira como uno de los mejores discos de Belle and Sebastian. No se necesitan más razones para devorar 'God Help the Girl'.

Destinada, como la práctica totalidad de la obra de Lars Von Trier, al siempre apasionado terreno del amor o el odio, los términos medios aquí nunca terminan de encontrar su lugar, 'Bailar en la oscuridad' es una de esas obras de arte que hacen del impacto su bandera, mapa y objetivo. Protagonizada por una inconmensurable Björk, este tremendo drama consigue hacer auténticos juegos malabares con la desolación y la belleza, el grito y el susurro, el llanto descarnado y el baile colectivo. En su corazón, además, late el musical clásico con sangre gélida, la épica con el primerísimo plano, la melodía cristalina con el ensordecedor ruido. Y luego está su escena final, cumbre absoluta que te deja clavado frente a la pantalla sin opción a la réplica. Si hay que situarse en esta batalla, ni una duda: 'Bailar en la oscuridad' es una obra maestra.

La mezcla entre Sir Andrew Lloyd Webber, Gaston Leroux y el siempre imprevisible Joel Schumacher terminó en éxito en esta estupenda revisión de 'El fantasma de la ópera', uno de los grandes musicales de la historia. Una propuesta que se aleja en gran parte de los excesos más cuestionables del añorado cineasta para centrar todos sus esfuerzos en ensalzar las inolvidables canciones que siguen erizando la piel con una fuerza apabullante. Un conjunto de melodías que han sobrevivido con justicia al paso del tiempo y que encuentran aquí un notabilísimo terreno en el que brillar con su característico ímpetu. Eso sí, conviene alejarse por completo de la imperdonable versión doblada que se estrenó en nuestro país. Aviso dado.

Cuando todo parecía abocado a la reiteración de fórmulas narrativas y a la obsesión con personajes que habían demostrado con creces ser todo un filón en materia de merchandising, Illumination Entertainment se sacó de la manga su mejor película. Porque, efectivamente, '¡Canta!' conseguía, al fin, ir un paso más allá de lo esperado gracias a una historia más adulta, más compleja, y por encima de todo, más emocionante.

Sus animales protagonistas, memorables, eran el corazón de una película en la que no estaba permitido activar el temido piloto automático, forzando la máquina a través de un aumento progresivo de épica cinematográfica realmente notable. Una banda sonora repleta de clásicos inolvidables se ocupaba de perfeccionar una propuesta llena de geniales aciertos, regalándonos además una colección de personajes, tanto protagonistas como secundarios, destinada a permanecer en la memoria. Una película maravillosa.

Lo primero que conseguía la maravillosa 'Happy Feet, rompiendo el hielo' era vencer sin piedad a todos los prejuicios posibles que se podían tener a la hora de enfrentarse a una película protagonizada por un pingüino que no sabe cantar, pero que se descubre como un gran bailarín (!¡). Una auténtica hazaña que el genial George Miller llevaba a cabo gracias a una energía contagiosa, una banda sonora espectacular y unos personajes irresistibles.

Todo funcionaba en uno de esas cintas familiares que se disfrutan sin descanso, regalando una experiencia ligada directamente a la felicidad y el entusiasmo. Por si no fuera suficiente, y pese a que sus dos contrincantes no eran propuestas especialmente memorables ('Cars' y 'Monster House'), el Oscar que se llevó terminó de convertir a la película en uno de los éxitos animados más alegres e inesperados de los últimos años. Lo imprevisible al poder.

Cuando hablamos de 'La novia cadáver' lo hacemos de un trabajo mayúsculo dentro de la carrera de Tim Burton, una obra de arte de una melancolía y belleza transparente, capaz de unir a través de notables números musicales (brillante banda sonora de Danny Elfman) dos mundos, la vida y la muerte, que jugaban al contraste visual con resultados que cautivaron todos los corazones burtonianos. Una joya que nos devolvía al mejor Burton, aquel capaz de combinar el humor más extravagante con la poesía visual, la emoción de los cuentos con el romanticismo más clásico. Imprescindible.

La unión de la visión cinematográfica de Fernando Trueba, llena de romanticismo y musicalidad embriagadora, y el talento artístico de Javier Mariscal, capaz de dotar de vida y personalidad a todos y cada uno de sus trazos, hicieron de 'Chico y Rita' una de las mejores películas de la última década, sin entrar en distinción de géneros.

Historia de amor en la Cuba de finales de los años cuarenta que navega a través del paso del tiempo con la música como guía, contexto y punto de encuentro, desencuentro y reencuentro, 'Chico & Rita' es una obra maestra incontestable, un auténtico regalo para los sentidos que encoge el corazón y se instala para siempre en la memoria. Por supuesto, una mención especial para la maravillosa banda sonora del legendario Bebo Valdés, elemento clave en este prodigio.

A estas alturas, ¿queda algo por decir de 'Hamilton'? Lo más probable es que no, pero conviene seguir subrayando, más allá de su evidente importancia como ejemplo perfecto de tormenta llegada al terreno social político desde la creatividad en su estado más puro, la grandeza artística de la obra maestra de Lin-Manuel Miranda. Y es que, a lo largo de 160 minutos que pasan en un suspiro, la historia de Alexander Hamilton, uno de los padres fundadores de Estados Unidos, se transforma aquí en musical radiante, vibrante, esplendoroso y emocionante, una colección imparable de apabullantes números musicales protagonizados por un reparto en permanente estado de gracia. En definitiva, un inmenso espectáculo que justifica con creces su condición y estatus de clásico contemporáneo.

Entre las múltiples y sorprendentes virtudes que traía bajo el brazo esa divertidísima maravilla llamada 'Los Muppets', no dejemos de reivindicarla, destaca una banda sonora muy cercana a la matrícula de honor. Un conjunto de canciones de ilusión y emoción contagiosa, deslumbrantes en sus radiantes melodías y memorables en su capacidad para obtener el tatareo general. Clásicos instantáneos que marcaban el ritmo de un triunfo artístico y creativo desde todos los puntos de vista.

Nominada a ocho premios Oscar, 'Dreamgirls' narraba con elegancia, exuberancia y talento el ascenso a la fama de un trío vocal femenino de R&B, las Dreamettes, formado por Deena Jones, fantástica Beyoncé, Effie White, excelente Jennifer Hudson, y Lorrell Robinson, estupenda Anika Noni Rose. Su carrera, empujada al estrellato tras participar en un concurso de talentos donde son descubiertas por el representante Curtis Taylor, Jr. (Jamie Foxx), que les ofrece trabajar junto a James Early (brillante y desatado Eddie Murphy), un cantante con gran popularidad en aquellos años, finales de los 60 y comienzos de los 70, terminará convertida en un cúmulo de problemas y conflictos internos. Menudo giro inesperado.

En cualquier caso, hablamos de una película que pese a caer en multitud de tópicos y lugares comunes del género, consigue dejar fluir con acierto todas sus influencias (evidentes), la imagen y estética de grupos como las Supremes o la visión comercial de una compañía discográfica como la Motown, entre otras, sin que molesten demasiado. Y por encima de todo, cuenta con tres voces impecables capaces de hacer auténticas maravillas, protagonizando números musicales de un poder y una fuerza envidiables.

La sobresaliente 'Rocketman' es tan astuta que, incluso a la hora de escoger el repertorio de Elton John, va directa a las minas de oro del cantante. Así, durante dos horas que pasan en un auténtico suspiro, nos encontramos con maravillosas versiones de algunos de los himnos más esenciales del artista, ubicados todos ellos en discos tan inoxidables como 'Elton John', 'Tumbleweed Connection', 'Madman Across the Water', 'Honky Château', 'Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player', 'Goodbye Yellow Brick Road', 'Caribou', 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', 'Too Low for Zero' o 'Songs from the West Coast'. Vamos, lo mejor de lo mejor.

Un conjunto de canciones que destacan, además de por su incontestable capacidad para emocionar desde la melodía perfecta, por el uso narrativo que les da la inspirada dirección de Dexter Fletcher y el espléndido guion de Lee Hall. Se trata, en definitiva, de lo mejor de la (maravillosa) música de Elton John hecha película. Excesiva, emocionante, divertida, con unos números musicales de aplaudir con las orejas y un Taron Egerton ubicado más allá del elogio. Una victoria en toda regla.

Carta de amor a la adolescencia como terreno repleto de minas de efusividad y llanto, 'Las canciones de amor' convierte cada una de sus resplandecientes números musicales en un canto a la emoción desbordada, al exceso de los callejones sin salida, a la rabia del adiós inexplicable, al eco de los golpes que nunca terminan de doler, a la salida de escape como vehículo de incomprensión y resignación, a la felicidad como utopía efímera y, claro, a los fantasmas que habitan en cada recuerdo. Dirigida y escrita de forma admirable por Christophe Honoré y con un conjunto de interpretaciones por encima del notable, 'Las canciones de amor' es un extraordinario musical que nos mira, besa y abraza con las mismas dosis de pasión.

Un año en el que coinciden una obra maestra ('Zootrópolis') y una cinta de notable alto, esta 'Vaiana' que nos ocupa, certifica lo impresionante que fue 2016 para Disney. En resultados comerciales, extraordinarios en ambos casos, y artísticos. Y es que, pese a no alcanzar la excelencia de la película de Byron Howard y Rich Moore, 'Vaiana' suponía la enésima confirmación del pleno estado de inspiración de un estudio que, de nuevo, daba en todas las teclas conocidas para, por arte de magia y encanto, terminar ofreciendo algo nuevo y refrescante. Con la inestimable ayuda de una gran protagonista, un secundario inolvidable y una banda sonora repleta de enormes canciones, 'Vaiana' triunfaba en todo lo que se proponía. Una delicia.